Sebbene Arancia meccanica di Stanley Kubrick non sia 'colorato' nel senso tradizionale di film con palette allegre o sature in modo uniforme, l'uso del colore al suo interno è potentissimo e intenzionale. Kubrick utilizza il colore in modo simbolico e disturbante. I bianchi asettici e freddi del Korova Milk Bar e delle istituzioni contrastano con i rossi aggressivi e i neri profondi usati per rappresentare la violenza e il caos. La tuta bianca con le protezioni nere di Alex e dei suoi 'drughi' è diventata iconica. Kubrick cura ogni dettaglio dell'immagine, e anche se la palette complessiva può sembrare austera, i tocchi di colore sono usati con precisione chirurgica per evocare specifiche sensazioni e temi, rendendo il film visivamente indimenticabile anche senza essere 'arcobaleno'.

Diretto e interpretato da Ben Stiller, I sogni segreti di Walter Mitty è un film che mescola la realtà quotidiana e grigia di un impiegato con le sequenze fantastiche e avventurose dei suoi sogni ad occhi aperti. Le sequenze oniriche sono visivamente dinamiche e spesso utilizzano colori più intensi e saturati per contrastare con la routine del mondo 'reale' di Walter. Tuttavia, anche le riprese in Islanda e Groenlandia, che rappresentano il suo viaggio nella realtà, offrono paesaggi naturali di grande impatto visivo, con cieli drammatici, montagne imponenti e distese di ghiaccio. Sebbene non sia definito da una palette cromatica stilizzata come i film di Wes Anderson, l'uso delle location reali e il contrasto tra fantasia e realtà offrono spunti visivi interessanti.

Anche se non esplode di colori vivaci come altri titoli in questa lista, Il labirinto del fauno di Guillermo del Toro utilizza il colore in modo estremamente efficace e tematico. Il mondo reale, ambientato nella Spagna franchista, è dominato da tonalità fredde, grigie e terrose, che riflettono la brutalità e la desolazione della guerra. Il mondo fantastico, invece, è caratterizzato da colori più caldi, profondi e saturi: i verdi scuri del labirinto, i rossi e gli ori delle creature e degli oggetti magici. Questo contrasto cromatico sottolinea la fuga di Ofelia dalla realtà crudele verso la sua immaginazione (o un'altra dimensione). Del Toro crea creature fantastiche e scenografie dettagliatissime che, anche con una palette più scura rispetto ad altri suoi lavori, sono visivamente affascinanti e inquietanti.

Il mondo creato da Guillermo del Toro è sempre ricco di dettagli e atmosfere uniche, e La forma dell'acqua non fa eccezione. Il film è immerso in una palette di colori dominata dai blu, dai verdi e dalle tonalità acquatiche, che riflettono l'ambiente di lavoro della protagonista (un laboratorio segreto) e la natura della creatura anfibia. Questi colori creano un'atmosfera sognante, malinconica e quasi subacquea, che contrasta con i rossi più caldi e cupi usati per rappresentare il pericolo e la minaccia. Del Toro utilizza il colore e il design di produzione per costruire un mondo che sembra uscito da una fiaba gotica, pur essendo ambientato in un periodo storico ben definito (la Guerra Fredda). L'attenzione ai dettagli visivi è maniacale e contribuisce enormemente all'immersione nella storia.

L'adattamento di Baz Luhrmann del romanzo di F. Scott Fitzgerald è un'esplosione di opulenza e sfarzo, e il colore gioca un ruolo cruciale nel rappresentare l'eccesso e la decadenza degli anni '20. Le feste nella villa di Gatsby sono un tripudio di colori sgargianti, costumi elaborati e scenografie lussuose. L'oro, l'argento, i rossi intensi, i blu elettrici dominano le scene, creando un contrasto stridente con le tonalità più tenui e malinconiche associate al mondo 'reale' e alla narrazione di Nick Carraway. Luhrmann utilizza un montaggio frenetico e una colonna sonora anacronistica per modernizzare la storia, ma è la ricchezza visiva e l'uso audace del colore a rendere il suo 'Gatsby' un'esperienza sensoriale così intensa.

Tim Burton porta il suo stile visivo inconfondibile nel classico di Lewis Carroll. Il Paese delle Meraviglie di Burton è un luogo strano e meraviglioso, reso con una palette di colori che mescola tonalità intense e sature con sfumature più cupe e gotiche. I rossi profondi, i blu elettrici, i verdi acidi e i viola si mescolano a bianchi pallidi e neri intensi, creando un contrasto visivo che riflette la natura bizzarra e a volte inquietante del luogo. L'uso del colore, unito agli effetti visivi e alle stravaganti creature, contribuisce a immergere lo spettatore in un mondo che è al contempo familiare e totalmente reinventato. Burton utilizza il colore per enfatizzare l'eccentricità dei personaggi e l'atmosfera onirica e un po' distorta del film.

Questa meraviglia in stop-motion, diretta da Henry Selick (lo stesso di 'Nightmare Before Christmas'), è un esempio perfetto di come l'animazione possa usare il colore per definire l'atmosfera e i temi. Il mondo 'reale' di Coraline è volutamente grigio, spento e piovoso, riflettendo la sua noia e insoddisfazione. Attraverso la porta segreta, invece, si apre un 'Altro Mondo' inizialmente seducente e pieno di colori vivaci e saturi, che riflettono i desideri di Coraline. Man mano che la vera natura dell'Altra Madre si rivela, i colori di questo mondo iniziano a mutare, diventando più scuri, distorti e inquietanti. L'uso del colore è quindi uno strumento narrativo potentissimo che accompagna lo spettatore nel viaggio emotivo della protagonista.

Il mondo di Amélie Poulain, creato da Jean-Pierre Jeunet, è un universo a sé stante, definito da una palette di colori molto specifica e riconoscibile. Predominano i rossi intensi, i verdi saturi e le tonalità calde del seppia e dell'oro, che conferiscono al film un'atmosfera fiabesca, intima e leggermente retrò. Ogni inquadratura è curata nei minimi dettagli, con oggetti di scena e costumi che si inseriscono perfettamente in questa armonia cromatica. Il colore non è solo decorativo, ma contribuisce a esprimere la personalità eccentrica e sognatrice di Amélie e a rendere Parigi un luogo magico e pieno di piccole meraviglie. La post-produzione è stata fondamentale per ottenere l'aspetto finale, con una desaturazione selettiva di alcuni colori e un'esaltazione di altri, creando l'effetto 'Jeunet' così distintivo.

Tratto dall'omonimo romanzo, Vita di Pi è un'odissea visiva diretta da Ang Lee che sfrutta al massimo le potenzialità del 3D e degli effetti visivi per creare un mondo sottomarino e oceanico di straordinaria bellezza. Le sequenze in mare aperto, con la tigre Richard Parker, sono cariche di colori intensi: il blu profondo dell'oceano, i tramonti arancioni e rosa, la bioluminescenza notturna che illumina l'acqua di un blu elettrico. Il film è un trionfo di CGI utilizzata non solo per creare la tigre, ma anche per dipingere paesaggi marini che sembrano usciti da un sogno. La transizione dal mondo 'reale' dello zoo in India ai colori quasi surreali dell'oceano è gestita con maestria, rendendo l'esperienza visiva totalmente immersiva.

La La Land è un musical moderno che rende omaggio all'età d'oro di Hollywood, e lo fa anche attraverso l'uso audace e gioioso del colore. Dalle sequenze di ballo iniziali sull'autostrada, dove i ballerini indossano abiti dai colori primari accesi, alle luci soffuse dei club jazz, ogni scena è studiata per evocare un senso di romanticismo e nostalgia. Il film utilizza palette specifiche per sottolineare l'evoluzione della storia e dei personaggi. I colori sono spesso saturi e contribuiscono a creare l'atmosfera sognante e stilizzata che è il marchio di fabbrica del regista Damien Chazelle. È interessante notare come i colori degli abiti di Mia (Emma Stone) siano stati scelti per riflettere le diverse fasi del suo percorso emotivo e professionale.

Diretto da Tarsem Singh, un regista con un background nella pubblicità e nei videoclip musicali, The Fall è un'opera visiva mozzafiato, quasi un quadro in movimento. La storia, ambientata in un ospedale negli anni '20, prende vita attraverso i racconti fantastici che un paziente fa a una bambina. Queste sequenze immaginarie sono girate in location reali sparse in tutto il mondo, da deserti a palazzi esotici, e sono caratterizzate da colori saturi, costumi sontuosi e scenografie incredibili. Singh ha finanziato gran parte del film con i propri soldi e lo ha girato per anni in segreto, in oltre 20 Paesi, senza l'uso di effetti speciali digitali per la maggior parte delle sequenze fantastiche. L'impatto visivo è potentissimo, un tripudio di colori e paesaggi che rende il confine tra realtà e fantasia incredibilmente sottile.

Nel cinema di Wes Anderson, il colore non è solo un elemento visivo, ma un vero e proprio personaggio. Grand Budapest Hotel ne è forse l'esempio più squisito. Ogni inquadratura è una composizione pittorica, dove le palette di colori sono studiate al millimetro per riflettere l'epoca, l'atmosfera e persino lo stato d'animo dei personaggi. Dominano i rosa pastello dell'hotel, i rossi intensi degli abiti, i blu profondi e i viola. Anderson utilizza il colore in modo tematico, creando un mondo stilizzato e fiabesco che è al contempo nostalgico e surreale. La simmetria ossessiva e i set dettagliatissimi sono esaltati da questa gestione magistrale del colore. È affascinante notare come il film cambi formato e palette a seconda della linea temporale, un altro esempio di come il colore sia parte integrante della narrazione.

Il Mago di Oz non è solo un classico, è una pietra miliare nella storia del cinema per il suo uso rivoluzionario del colore. È stato uno dei primi film a utilizzare il Technicolor a tre strisce in modo così estensivo e audace. Il passaggio dal Kansas in bianco e nero al mondo scintillante e saturo di Oz è uno dei momenti più iconici del cinema, simboleggiando perfettamente l'ingresso nella fantasia. Ogni scena a Oz è un'esplosione di colori primari: il giallo del sentiero di mattoni, il blu del vestito di Dorothy, il rosso scintillante delle scarpette di rubino (originariamente d'argento nel libro!), il verde smeraldo della Città di Smeraldo. Questa scelta cromatica non era solo estetica, ma funzionale a creare un mondo totalmente diverso e incantato, che ha lasciato a bocca aperta il pubblico dell'epoca e continua a farlo oggi. Pensate che le scarpette di rubino sono diventate così iconiche che uno dei paia originali è conservato al Smithsonian National Museum of Natural History!