Avec un budget dérisoire (environ 15 000 dollars) et un tournage dans une seule maison, Paranormal Activity d'Oren Peli (2007) a créé un phénomène culturel et redéfini le film d'horreur à petit budget. Utilisant le format du found footage, le film documente les événements étranges qui commencent à se produire dans la maison d'un jeune couple. L'horreur ici ne vient pas du gore ou d'effets spéciaux coûteux, mais de la suggestion, du silence, de l'attente et des bruits nocturnes. Le film joue sur nos peurs primales de l'invisible et de l'inconnu, transformant des phénomènes apparemment anodins (une porte qui bouge, un bruit) en moments de pure terreur. Son succès inattendu a engendré une longue série de suites.

Premier long-métrage de l'Australienne Jennifer Kent, Mister Babadook (The Babadook) en 2014 est un film d'horreur psychologique qui utilise le monstre du titre comme métaphore du deuil et de la dépression. Le film suit une mère veuve aux prises avec son fils turbulent et un livre pop-up effrayant qui semble avoir invoqué une présence maléfique. Essie Davis est remarquable dans le rôle de la mère, dont la descente progressive dans l'épuisement et la folie est au cœur du film. Le Babadook lui-même est une création visuelle simple mais très efficace, et le film est salué pour son exploration mature et terrifiante des thèmes de la parentalité et de la santé mentale. Un film intense et intelligent.

Réalisé par le maître de l'horreur moderne James Wan, Conjuring : Les Dossiers Warren (The Conjuring) en 2013 a relancé le genre du film de maison hantée avec brio. Basé sur les prétendues enquêtes paranormales des époux Warren, le film suit une famille tourmentée par des événements terrifiants dans leur nouvelle ferme isolée. Le film excelle dans la création de suspense et l'exécution de jump scares très efficaces, mais il brille aussi par ses personnages attachants et l'alchimie entre Patrick Wilson et Vera Farmiga dans les rôles des Warren. C'est un film d'horreur classique dans sa structure, mais exécuté avec une grande maîtrise technique et narrative, qui a donné naissance à un univers cinématographique très populaire.

Avec un concept simple mais terrifiant, It Follows de David Robert Mitchell (2014) a su se démarquer. Après une rencontre sexuelle, une jeune femme est poursuivie par une entité invisible et implacable qui peut prendre l'apparence de n'importe qui et ne fait que marcher lentement vers elle. Le seul moyen de s'en débarrasser est de la transmettre à quelqu'un d'autre. Le film crée une angoisse palpable grâce à sa lenteur, sa musique synthétique hypnotique signée Disasterpeace et son ambiance de banlieue américaine intemporelle. C'est une métaphore intelligente sur les maladies sexuellement transmissibles, l'anxiété et le passage à l'âge adulte, enveloppée dans un film d'horreur très efficace et stylisé.

Premier film de Robert Eggers, The Witch (The VVitch: A New-England Folktale) nous transporte dans la Nouvelle-Angleterre du 17ème siècle, où une famille de colons puritains est bannie de sa communauté et doit s'installer en lisière d'une forêt sinistre. Le film est remarquable pour son souci d'authenticité historique, utilisant un langage de l'époque et recréant l'atmosphère austère et pieuse de la période. L'horreur provient moins de sursauts que d'un sentiment de dread constant, de la paranoïa religieuse et de la présence insidieuse du mal dans la nature et au sein de la famille elle-même. Anya Taylor-Joy est fascinante dans son premier grand rôle. Un film d'horreur folk atmosphérique et profondément dérangeant.

Le premier long-métrage d'Ari Aster, Hérédité (Hereditary) en 2018, est un cauchemar éveillé qui plonge dans les profondeurs du deuil et des secrets de famille. Le film est d'une intensité rare, construisant une atmosphère de malaise constant qui culmine dans des moments de pure terreur. Toni Collette livre une performance absolument phénoménale et déchirante en mère de famille confrontée à une série d'événements tragiques et de découvertes macabres. Aster utilise une mise en scène précise et des effets sonores glaçants pour créer une sensation de fatalité inéluctable. Ce n'est pas un film d'horreur facile, mais sa puissance émotionnelle et sa capacité à déranger durablement en font une œuvre majeure du genre récent.

Premier film de Jordan Peele, plus connu pour ses sketchs comiques, Get Out a sidéré le public et la critique en 2017 en mélangeant horreur psychologique, thriller et satire sociale acérée. Le film suit Chris, un jeune homme noir qui rencontre la famille blanche de sa petite amie pour la première fois, découvrant rapidement que quelque chose de sinistre se trame. Peele utilise les codes de l'horreur pour explorer les tensions raciales aux États-Unis d'une manière intelligente et profondément perturbante. Le film a été un immense succès commercial et critique, remportant l'Oscar du meilleur scénario original. Une œuvre audacieuse et pertinente qui prouve la vitalité du genre horrifique pour aborder des sujets importants.

Wes Craven a révolutionné le slasher avec Les Griffes de la nuit (A Nightmare on Elm Street) en 1984, introduisant un tueur surnaturel qui attaque ses victimes dans leurs rêves : Freddy Krueger. Incarné avec un mélange de malice et de terreur par Robert Englund, Freddy est devenu l'un des monstres les plus populaires de l'histoire du cinéma d'horreur. Le concept d'être vulnérable même en dormant était terrifiant et a permis au film d'explorer des séquences surréalistes et cauchemardesques. Le film a aussi lancé la carrière de Johnny Depp dans un petit rôle. C'est un film ingénieux qui mélange habilement horreur, fantastique et un humour noir naissant qui deviendra la marque de fabrique de Freddy.

Le film qui a défini le genre du slasher moderne. La nuit des masques (Halloween) de John Carpenter, sorti en 1978, est un modèle d'efficacité minimaliste. Tourné avec un petit budget, Carpenter a composé lui-même la musique iconique et répétitive qui crée un sentiment de suspense constant. Le personnage de Michael Myers, le tueur masqué qui ne parle jamais, est l'incarnation du mal pur et inexplicable, rendu d'autant plus effrayant par sa démarche lente et inexorable. Jamie Lee Curtis est lancée dans le rôle de Laurie Strode, établissant le trope de la "final girl". Le film prouve qu'on peut terrifier le public avec peu de gore, en misant sur la suggestion, la tension et une atmosphère oppressante. Un classique indémodable.

Malgré son titre et sa réputation, Massacre à la tronçonneuse de Tobe Hooper (1974) est moins gore qu'on ne le pense, misant plutôt sur une atmosphère brute, réaliste et profondément dérangeante. Tourné avec un budget minuscule dans des conditions extrêmes (chaleur étouffante, odeurs nauséabondes), le film a une texture granuleuse quasi documentaire qui renforce son sentiment de réalisme effrayant. Le personnage de Leatherface, inspiré en partie par le tueur Ed Gein, est devenu une icône de l'horreur, symbolisant la violence incontrôlée. Le film a été interdit dans de nombreux pays à cause de sa violence perçue et de son nihilisme, mais il est aujourd'hui reconnu pour son impact sur le cinéma d'horreur, notamment le sous-genre du slasher.

Réalisé par Roman Polanski, Rosemary's Baby est un chef-d'œuvre de l'horreur psychologique et de la paranoïa. Le film suit Rosemary Woodhouse (Mia Farrow, bouleversante), une jeune femme qui suspecte ses voisins et son mari de comploter autour de sa grossesse. Ce qui rend le film si efficace, c'est sa capacité à instiller le doute, laissant le spectateur se demander si les craintes de Rosemary sont réelles ou le fruit d'une psychose. Le film se déroule presque entièrement dans un appartement de New York, créant un sentiment d'enfermement et d'intimité étouffante. La musique douce et mélancolique de Krzysztof Komeda contraste étrangement avec la terreur qui monte, rendant l'ensemble encore plus dérangeant. Un classique qui prouve que l'horreur n'a pas besoin de gore pour être efficace.

Adaptation très libre du roman de Stephen King, Shining est la vision cauchemardesque de Stanley Kubrick sur la folie et l'isolement. La performance habitée de Jack Nicholson en Jack Torrance, écrivain sombrant dans la folie à l'hôtel Overlook isolé, est légendaire. Kubrick était connu pour son perfectionnisme extrême, faisant refaire des scènes des dizaines de fois, ce qui a mis à rude épreuve les nerfs des acteurs, notamment Shelley Duvall. Le film est une prouesse technique, utilisant pour la première fois de manière extensive la Steadicam pour suivre les personnages dans les couloirs labyrinthiques de l'hôtel, créant une sensation d'omniprésence et d'enfermement. L'ambiance est pesante, les images iconiques (les jumelles, l'ascenseur de sang) et l'interprétation ouverte, faisant de ce film un sujet d'étude inépuisable.

Chef-d'œuvre d'Alfred Hitchcock, Psychose n'est pas seulement un film d'horreur, c'est une leçon de cinéma. Sorti en 1960, il a brisé de nombreux tabous, notamment en montrant une chasse d'eau et en tuant son actrice principale (Janet Leigh) dès le premier tiers du film. La célèbre scène de la douche, bien que ne durant que 45 secondes, a nécessité une semaine de tournage et 77 angles de caméra différents, devenant l'une des séquences les plus analysées de l'histoire du cinéma. Anthony Perkins est absolument magistral en Norman Bates, créant un personnage complexe et profondément perturbant. Le film est un modèle de suspense psychologique, utilisant une musique stridente de Bernard Herrmann et une mise en scène claustrophobique pour instiller la terreur.

Considéré par beaucoup comme le film d'horreur le plus terrifiant jamais réalisé, L'Exorciste de William Friedkin a durablement marqué les esprits. Sa sortie en 1973 a provoqué des émeutes, des évanouissements et des débats passionnés sur la foi et le mal. Le film est célèbre pour ses effets spéciaux révolutionnaires pour l'époque, notamment la rotation de tête à 360 degrés et la scène de vomissement, qui utilisaient des techniques d'ingénierie mécanique et de maquillage très avancées. L'actrice Linda Blair, qui n'avait que 14 ans, a livré une performance incroyablement intense et troublante dans le rôle de Regan. La bande sonore, avec le morceau emblématique "Tubular Bells" de Mike Oldfield, contribue grandement à l'atmosphère oppressante. Un film qui continue de glacer le sang, même des décennies après sa sortie.