Double mise (Hard Eight) est le premier long métrage de Paul Thomas Anderson. Ce thriller néo-noir suit Sydney (Philip Baker Hall, impeccable), un joueur professionnel vieillissant qui prend sous son aile John (John C. Reilly), un jeune homme désespéré. Ils se retrouvent mêlés à des problèmes impliquant Clementine (Gwyneth Paltrow), une serveuse et prostituée.

Déjà, dans ce premier film, on retrouve des thèmes chers à Anderson comme la solitude, la recherche d'une famille de substitution et les relations complexes. Le style est plus sobre que dans ses films ultérieurs, mais la maîtrise de la mise en scène et la direction d'acteurs sont déjà évidentes. Samuel L. Jackson y joue un rôle secondaire notable. C'est un début prometteur qui annonçait le grand talent du réalisateur.

Inherent Vice est l'adaptation par Paul Thomas Anderson du roman éponyme de Thomas Pynchon, et comme l'œuvre source, c'est un film délibérément labyrinthique et psychédélique. Joaquin Phoenix y incarne Doc Sportello, un détective privé fumeur de joints dans le Los Angeles de 1970, qui se retrouve plongé dans une affaire complexe impliquant son ex-petite amie et un promoteur immobilier disparu.

Le film est une sorte de "film noir" sous l'influence de la contre-culture, plein de personnages excentriques et de dialogues décalés. L'intrigue est moins importante que l'atmosphère et l'ambiance, capturant la fin d'une ère et la paranoïa qui s'installe. C'est un film qui demande une certaine indulgence et qui récompense ceux qui se laissent porter par son flux étrange et souvent hilarant. Le casting est rempli de seconds rôles savoureux.

Phantom Thread est un drame d'époque élégant et subtil de Paul Thomas Anderson. Se déroulant dans le Londres des années 1950, il suit Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis dans ce qu'il a annoncé comme son dernier rôle), un couturier de renom dont la vie méticuleusement ordonnée est perturbée par Alma (Vicky Krieps), une jeune femme qui devient sa muse et son amante.

Le film est une étude fascinante d'une relation complexe, explorant les dynamiques de pouvoir, la dépendance et les jeux psychologiques entre les deux protagonistes. La mise en scène est d'une précision exquise, tout comme les costumes qui sont au cœur de l'intrigue. La musique de Jonny Greenwood est une fois de plus exceptionnelle, ajoutant une couche supplémentaire de sophistication et de tension. C'est un film d'une beauté formelle remarquable, mais avec une profondeur émotionnelle surprenante sous la surface polie.

Punch-Drunk Love est une entrée unique dans la filmographie de Paul Thomas Anderson, une comédie romantique excentrique et touchante. Adam Sandler y livre une performance surprenante et nuancée dans le rôle de Barry Egan, un homme solitaire et socialement anxieux dont la vie monotone est bouleversée par une romance inattendue et une arnaque téléphonique.

Le film a une esthétique singulière, avec des éclats de couleur bleue et une musique expérimentale de Jon Brion qui reflètent l'état mental de Barry. La relation entre Barry et Lena (Emily Watson) est dépeinte avec une tendresse inattendue. Anderson parvient à mêler l'humour absurde, la violence soudaine et une véritable émotion romantique pour créer quelque chose de totalement original. C'est un film qui a prouvé la polyvalence d'Adam Sandler en tant qu'acteur dramatique.

The Master est un film dense et psychologiquement complexe de Paul Thomas Anderson. Se déroulant après la Seconde Guerre mondiale, il explore la relation trouble entre un vétéran de la marine traumatisé (Joaquin Phoenix) et le charismatique leader d'un nouveau mouvement philosophique et religieux (Philip Seymour Hoffman).

Les performances de Phoenix et Hoffman sont absolument captivantes et leur dynamique à l'écran est le cœur battant du film. Amy Adams est également formidable en épouse du Maître. Le film s'inspire librement de la Scientologie et de son fondateur L. Ron Hubbard, mais il est avant tout une étude fascinante de deux hommes, de leurs besoins, de leurs désirs et de leur dépendance mutuelle. C'est un film exigeant, mais incroyablement riche et gratifiant pour le spectateur attentif.

Orange mécanique de Stanley Kubrick est une œuvre provocatrice et dérangeante qui a suscité d'énormes controverses à sa sortie. Adapté du roman d'Anthony Burgess, le film se déroule dans un futur dystopique et suit Alex et sa bande d'"Droogs" qui se livrent à une violence gratuite avant qu'Alex ne soit soumis à une thérapie d'aversion expérimentale pour "guérir" sa nature violente.

Le film est stylistiquement audacieux, utilisant des décors futuristes, des costumes excentriques et une musique qui mélange Beethoven avec des synthétiseurs. Malcolm McDowell est fascinant et terrifiant dans le rôle d'Alex. Kubrick explore des thèmes complexes sur le libre arbitre, la nature du mal et le contrôle gouvernemental. C'est un film choc qui continue de diviser et de faire réfléchir sur la société et la moralité.

Raging Bull est souvent cité comme l'un des plus grands films jamais réalisés, et pour cause. Martin Scorsese y dresse un portrait brut et sans concession de Jake LaMotta, le boxeur poids moyen dont l'agressivité sur le ring n'était rien comparée à son autodestruction en dehors.

Robert De Niro a subi une transformation physique incroyable pour le rôle, prenant plus de 25 kilos pour les scènes finales, et a remporté l'Oscar du Meilleur Acteur. Le film est tourné en noir et blanc, ce qui lui confère une esthétique intemporelle et une intensité dramatique unique. Les scènes de boxe sont d'une violence stylisée et percutante. C'est une étude de personnage profonde sur la jalousie, la violence et la rédemption, un film viscéral et inoubliable.

Boogie Nights a été le film qui a révélé Paul Thomas Anderson au grand public. Ce drame épique suit l'ascension et la chute de Dirk Diggler, une star du cinéma pour adultes dans la vallée de San Fernando à la fin des années 70 et au début des années 80.

Avec un casting formidable, incluant Mark Wahlberg, Burt Reynolds (dans un rôle nominé à l'Oscar), Julianne Moore et Philip Seymour Hoffman, le film dépeint une sorte de famille dysfonctionnelle au sein de cette industrie. Anderson recrée l'époque avec une précision stylistique impressionnante, utilisant de longs plans séquences et une bande son disco-funk entraînante. C'est un film à la fois drôle, touchant et finalement mélancolique, qui explore les thèmes de la célébrité, de l'appartenance et du changement des époques.

Shining est l'adaptation par Stanley Kubrick du roman d'horreur de Stephen King, bien que King lui-même n'ait jamais été entièrement satisfait des libertés prises par le réalisateur. Le film suit Jack Torrance, un écrivain qui devient gardien d'un hôtel isolé pour l'hiver, et qui sombre lentement dans la folie sous l'influence de forces surnaturelles.

Kubrick crée une atmosphère de terreur psychologique palpable grâce à sa mise en scène méticuleuse, l'architecture labyrinthique de l'Overlook Hotel, et les performances troublantes de Jack Nicholson et Shelley Duvall. Le film est riche en symbolisme et en plans iconiques, comme les jumelles dans le couloir ou Jack brisant la porte à la hache. La musique, mélange de compositions classiques et de pièces expérimentales, renforce le sentiment de malaise. Un classique de l'horreur qui continue de fasciner et d'être analysé.

Taxi Driver de Martin Scorsese est un portrait glaçant et intense de la solitude et de la descente aux enfers. Robert De Niro incarne Travis Bickle, un vétéran du Vietnam insomniaque qui travaille comme chauffeur de taxi à New York et est dégoûté par la décadence qu'il observe. Sa frustration grandissante le mène vers une violence extrême.

Le film capture parfaitement l'atmosphère crasseuse et dangereuse du New York des années 70. La musique jazzy et mélancolique de Bernard Herrmann (sa dernière œuvre) contribue grandement à l'ambiance. Jodie Foster, alors très jeune, est remarquable dans le rôle d'Iris, une jeune prostituée. La phrase culte "You talkin' to me?" est devenue l'une des plus célèbres de l'histoire du cinéma, bien qu'elle ait été improvisée par De Niro. Un chef-d'œuvre psychologique sombre et puissant.

Magnolia est l'œuvre chorale par excellence de Paul Thomas Anderson. Se déroulant sur une journée pluvieuse dans la vallée de San Fernando, le film entrelace les histoires de neuf personnages aux prises avec la solitude, le regret et la recherche de connexion.

Avec un casting exceptionnel incluant Tom Cruise (dans un rôle à contre-emploi qui lui a valu une nomination à l'Oscar), Julianne Moore, Philip Seymour Hoffman et John C. Reilly, le film est une symphonie d'émotions. Sa structure narrative audacieuse, ses dialogues percutants et ses moments surréalistes (comme la fameuse scène de la pluie de grenouilles) en font un film inoubliable. C'est une exploration ambitieuse de la condition humaine, portée par une bande originale poignante d'Aimee Mann.

2001 : L'Odyssée de l'espace de Stanley Kubrick n'est pas seulement un film de science-fiction, c'est une expérience cinématographique et philosophique sans équivalent. Réalisé en collaboration avec l'écrivain Arthur C. Clarke, le film explore l'évolution humaine, la technologie, l'intelligence artificielle et la quête cosmique.

Visuellement époustouflant pour son époque (et encore aujourd'hui), le film a repoussé les limites des effets spéciaux. La célèbre séquence du "Stargate" est révolutionnaire, tout comme la représentation réaliste du voyage spatial. La musique, utilisant des morceaux classiques comme le "Ainsi parlait Zarathoustra" de Richard Strauss, est indissociable des images. C'est un film qui invite à l'interprétation et à la contemplation, évitant l'exposition dialoguée au profit de l'impact visuel et sonore. Un véritable monolithe du cinéma.

Les Affranchis de Martin Scorsese est l'un des films de gangsters les plus influents jamais réalisés. Adapté du livre "Wiseguy" de Nicholas Pileggi, il raconte l'ascension et la chute du mafieux Henry Hill, interprété par Ray Liotta. Ce qui distingue ce film, c'est son énergie frénétique, sa narration à la première personne (avec des voix off mémorables de Liotta et Lorraine Bracco) et son style visuel inimitable.

Scorsese utilise des travellings virtuoses (comme la célèbre scène de l'entrée au Copacabana), des arrêts sur image et une bande son rock'n'roll parfaitement choisie pour immerger le spectateur dans ce monde à la fois fascinant et brutal. Joe Pesci a remporté un Oscar pour sa performance terrifiante et imprévisible en Tommy DeVito, un personnage inspiré d'une figure réelle. C'est un film qui a redéfini le genre et reste une référence absolue.

There Will Be Blood est souvent considéré comme le chef-d'œuvre de Paul Thomas Anderson, et c'est facile de comprendre pourquoi. Ce drame épique sur l'avidité et le capitalisme au début du 20e siècle est porté par une performance absolument titanesque de Daniel Day-Lewis en prospecteur pétrolier impitoyable, Daniel Plainview. Sa confrontation avec le jeune prêcheur interprété par Paul Dano est électrique et fascinante.

Le film est une expérience immersive, presque sensorielle, grâce à la photographie sublime de Robert Elswit et à la partition dissonante et puissante de Jonny Greenwood (Radiohead). C'est un film qui vous habite longtemps après le générique, une exploration profonde et sombre de l'âme américaine et de ce que la quête de richesse peut faire à un homme. Day-Lewis a d'ailleurs remporté l'Oscar du Meilleur Acteur pour ce rôle, marquant l'histoire du cinéma avec sa présence à l'écran.