Small Faces est un drame écossais qui se déroule dans les années 1960 à Glasgow. Bien qu'il ne soit pas aussi connu internationalement que les autres films de cette liste, sa bande originale est un élément important de son ambiance. Elle met en avant la musique populaire de l'époque au Royaume-Uni, reflétant les goûts et la culture des adolescents écossais. Le film offre un aperçu réaliste de la vie ouvrière et des différentes sous-cultures de l'époque, et la musique contribue à ancrer le récit dans son contexte historique et social. C'est un film plus intimiste, mais sa musique est authentique à son cadre.

La version de Gatsby le Magnifique réalisée par Baz Luhrmann en 2013 se démarque par son choix musical anachronique et audacieux. Plutôt que de se limiter au jazz de l'époque des Années Folles, Luhrmann a intégré des titres de pop, de hip-hop et d'électro, supervisés par Jay-Z. Cette fusion des genres a divisé les critiques, mais elle crée une énergie frénétique et moderne qui correspond à l'esthétique clinquante et excessive du film. La bande originale inclut des artistes comme Florence + The Machine, Lana Del Rey, et Beyoncé, offrant une relecture contemporaine de l'univers de F. Scott Fitzgerald.

Presque Célèbre est une lettre d'amour à la musique rock des années 70. Réalisé par Cameron Crowe, qui a lui-même été un jeune journaliste musical pour Rolling Stone, le film suit un adolescent qui accompagne un groupe de rock en tournée. La bande originale est un trésor de classiques de l'époque, avec des titres de Led Zeppelin, The Who, David Bowie, et bien sûr, les chansons originales du groupe fictif Stillwater. Le film a remporté l'Oscar du Meilleur Scénario Original, et sa bande son capture parfaitement l'énergie, l'excès et l'âme de cette période légendaire du rock and roll.

Whiplash n'est pas une comédie musicale au sens traditionnel, mais la musique est absolument centrale et jouée avec une intensité incroyable. Le film plonge dans le monde exigeant du jazz et la relation conflictuelle entre un jeune batteur ambitieux et son professeur tyrannique. La bande originale est remplie de morceaux de jazz complexes et puissants, ainsi que des compositions originales qui capturent la tension et la passion des performances. Miles Teller, qui joue le batteur, a passé des heures chaque jour à s'entraîner à la batterie pour rendre ses scènes aussi réalistes que possible, et c'est bluffant à l'écran.

Drive se distingue par sa bande originale atmosphérique et mélancolique, dominée par les sonorités synthwave et électroniques. Plutôt que d'utiliser une musique d'action typique, le réalisateur Nicolas Winding Refn a opté pour des morceaux planants et souvent minimalistes, créant une ambiance unique qui contraste avec la violence du film. Des artistes comme Kavinsky avec "Nightcall" ou College avec "A Real Hero" ont vu leur carrière décoller grâce à leur inclusion dans le film. Cette bande originale a non seulement marqué les esprits, mais a aussi largement contribué à populariser le genre synthwave dans les années qui ont suivi.

La Mélodie du bonheur est une comédie musicale classique qui a enchanté des millions de spectateurs depuis sa sortie en 1965. Les chansons intemporelles écrites par Richard Rodgers et Oscar Hammerstein II, comme "Do-Re-Mi", "My Favorite Things" et "Edelweiss", sont indissociables de l'histoire de la famille von Trapp et de la gouvernante Maria. Le film a remporté cinq Oscars, dont celui du Meilleur Film, et sa bande originale a passé un nombre record de semaines en tête des classements. C'est le genre de musique qui reste gravée dans les mémoires et qui se transmet de génération en génération.

La Fièvre du samedi soir a défini l'ère du disco pour toute une génération. Le film suit Tony Manero, un jeune homme qui échappe à sa vie difficile en devenant le roi de la piste de danse. La bande originale, dominée par les Bee Gees, est devenue l'une des plus vendues de tous les temps, avec des tubes planétaires comme "Stayin' Alive", "Night Fever" et "How Deep Is Your Love". L'impact culturel du film et de sa musique a été immense, popularisant le disco à travers le monde et faisant de John Travolta une superstar internationale. C'est un véritable cliché, mais un cliché qui fait bouger les pieds !

Purple Rain n'est pas juste un film, c'est une vitrine pour le talent extraordinaire de Prince. Ce drame musical semi-autobiographique lui a permis de faire ses débuts au cinéma et de propulser sa carrière vers de nouveaux sommets. La bande originale, entièrement composée et interprétée par Prince et son groupe The Revolution, est considérée comme l'une des meilleures de tous les temps. Elle comprend des hits intemporels comme "When Doves Cry", "Let's Go Crazy" et bien sûr, la chanson titre "Purple Rain". Le film capture l'énergie brute de ses performances live et offre un aperçu de son génie musical.

A Star is Born (2018) est la quatrième version de cette histoire classique, et chaque itération est définie par sa musique. Cette version met en vedette Lady Gaga et Bradley Cooper, qui ont co-écrit et interprété la plupart des chansons originales du film. La bande originale a été un succès phénoménal, atteignant la première place des classements mondiaux et remportant l'Oscar de la Meilleure Chanson Originale pour "Shallow". Lady Gaga, connue pour ses performances extravagantes, a délibérément opté pour un look plus naturel et une approche vocale plus brute pour son personnage d'Ally, créant un contraste saisissant avec la rockstar Jackson Maine, joué par Cooper.

La La Land est une lettre d'amour à l'âge d'or des comédies musicales hollywoodiennes, et sa musique est tout simplement enchanteresse. Composée par Justin Hurwitz, avec des paroles de Benj Pasek et Justin Paul, la bande originale alterne entre des numéros de claquettes joyeux, des ballades mélancoliques et des thèmes jazz sophistiqués. Le film a remporté six Oscars, dont celui de la Meilleure Musique de Film et de la Meilleure Chanson Originale pour "City of Stars". Ryan Gosling et Emma Stone ont suivi des mois de répétitions pour les scènes de chant et de danse, ajoutant une authenticité touchante à leurs performances.

Bohemian Rhapsody retrace l'histoire du légendaire groupe Queen et de son charismatique leader, Freddie Mercury. Forcément, la musique n'est pas qu'une bande son, c'est l'essence même du film. On y retrouve tous les plus grands succès du groupe, de "Bohemian Rhapsody" à "We Are the Champions", interprétés avec une énergie palpable par les acteurs. Rami Malek, qui a remporté un Oscar pour son interprétation de Freddie, a travaillé intensivement avec un coach de mouvement pour capturer la présence scénique unique du chanteur. Le film culmine avec la recréation épique de la performance de Queen au Live Aid en 1985, un moment musical qui a marqué l'histoire.

Pulp Fiction n'aurait pas le même impact sans sa bande originale culte. Quentin Tarantino est un maître dans l'art de dénicher des morceaux obscurs ou des classiques pour créer une ambiance unique et décalée. Sa sélection musicale, allant du surf rock au soul, en passant par le rockabilly, est aussi éclectique et surprenante que le film lui-même. Chaque chanson est choisie avec soin pour coller parfaitement à l'énergie ou à l'ironie d'une scène. Saviez-vous que le thème principal, "Misirlou", est une adaptation d'une chanson grecque traditionnelle ? C'est ce genre de choix audacieux qui rend la musique de ce film aussi inoubliable que ses dialogues.

Quand on pense à la bande originale des Gardiens de la Galaxie, on pense immédiatement à l'"Awesome Mix Vol. 1". Cette compilation de hits des années 70 et 80 n'est pas un simple accompagnement musical ; elle est le cœur battant du personnage de Peter Quill, alias Star-Lord, et un fil conducteur émotionnel pour tout le film. James Gunn a sélectionné les chansons lui-même, les intégrant directement dans le scénario. Le succès de cette bande originale a même propulsé plusieurs titres oubliés en tête des classements, prouvant le pouvoir de la nostalgie et de la bonne musique au cinéma. C'est fun, c'est cool, et ça vous donne envie de danser avec un raton-laveur et un arbre.

Baby Driver n'est pas juste un film d'action, c'est une symphonie sur roues ! Edgar Wright, le réalisateur, a eu l'idée de ce film il y a plus de vingt ans, et il a construit chaque scène d'action, chaque poursuite, chaque dialogue autour de la musique. Le montage est littéralement calé sur le rythme des morceaux que Baby écoute constamment dans ses écouteurs pour gérer ses acouphènes. Ansel Elgort, qui joue Baby, a même suivi des cours de chorégraphie pour que ses mouvements dans le film correspondent parfaitement au tempo. C'est une expérience auditive et visuelle incroyablement synchronisée qui rend chaque instant électrisant.