Del director Makoto Shinkai, conocido por Your Name, El tiempo contigo (Weathering with You) es otra historia visualmente deslumbrante con un fuerte núcleo emocional. La película sigue a Hodaka, un joven que huye a Tokio y conoce a Hina, una chica con la misteriosa habilidad de controlar el clima. En un Tokio azotado por lluvias incesantes, su conexión florece, pero el poder de Hina tiene un alto precio. La película mezcla elementos de fantasía, romance y drama, explorando temas como el sacrificio, el cambio climático (simbolizado por la lluvia constante) y la decisión entre el bienestar individual y el colectivo. Aunque tiene momentos de belleza y esperanza, también presenta dilemas difíciles y consecuencias dolorosas, dejando una sensación de melancolía y reflexión sobre las decisiones que definen nuestro futuro.

Esta película francesa de animación, distribuida por Netflix, es una obra singular y melancólica. ¿Dónde está mi cuerpo? cuenta dos historias paralelas: la de Naoufel, un joven que trabaja como repartidor de pizzas y sueña con algo más, y la de una mano cortada que escapa de un laboratorio y emprende un peligroso viaje por París para reunirse con su cuerpo. La película, con un estilo de animación minimalista y atmosférico, es una meditación sobre la pérdida, la soledad, el destino y la búsqueda de conexión. La narrativa es poética y a menudo introspectiva, creando un tono de melancolía existencial que la diferencia de otras películas animadas. Ganó el Gran Premio de la Semana de la Crítica en Cannes y fue nominada al Oscar a la Mejor Película de Animación.

Dirigida por Brad Bird (antes de dirigir Los Increíbles y Ratatouille para Pixar), El gigante de hierro es un cuento conmovedor sobre la amistad, el miedo a lo desconocido y la elección de quién quieres ser. Ambientada en plena Guerra Fría, un niño llamado Hogarth descubre un enorme robot llegado del espacio que sufre amnesia. A pesar de la paranoia de la época y la insistencia del gobierno en destruirlo, Hogarth ve la bondad en el gigante. La película es una alegoría sobre el desarme y la importancia de no juzgar por las apariencias. El gigante, que inicialmente podría ser un arma, aprende de Hogarth el significado de 'alma' y 'héroe'. El clímax es particularmente emotivo y subraya el tema del sacrificio y la redención, dejando una sensación agridulce pero esperanzadora.

Pixar se atrevió a personificar las emociones en Del revés, una película ingeniosa y profundamente humana. La historia se desarrolla principalmente dentro de la mente de Riley, una niña que se muda con su familia y debe lidiar con un torbellino de sentimientos. Alegría, Tristeza, Miedo, Ira y Asco son los protagonistas, pero la película dedica una atención especial a Tristeza, argumentando de manera brillante que esta emoción es no solo necesaria, sino vital para el bienestar emocional. La película muestra cómo la tristeza nos ayuda a procesar la pérdida y a conectar con los demás. Momentos como la despedida de Bing Bong, el amigo imaginario de Riley, son particularmente desgarradores y subrayan el mensaje central: la tristeza tiene su lugar y su valor. Ganó el Oscar a la Mejor Película de Animación por su originalidad y profundidad emocional.

Otra introspección existencial de Pixar, Soul nos lleva en un viaje desde las calles de Nueva York hasta el 'Gran Antes', el lugar donde las almas obtienen sus personalidades antes de ir a la Tierra. Joe Gardner, un músico de jazz que cree haber encontrado su gran oportunidad, sufre un accidente y su alma es separada de su cuerpo. La película explora qué es lo que da sentido a la vida, la diferencia entre tener un propósito y simplemente vivir, y la belleza de los pequeños momentos cotidianos. Aunque tiene humor y fantasía, la película invita a reflexionar sobre la muerte, las oportunidades perdidas y la búsqueda de la chispa individual, lo que puede resultar bastante conmovedor y melancólico en ciertos momentos. Ganó el Oscar a la Mejor Película de Animación y es una obra que resuena con preguntas profundas sobre nuestra existencia.

Un clásico indiscutible de Disney que marcó a toda una generación, El rey león es conocido por su música icónica, sus personajes carismáticos y, por supuesto, uno de los momentos más traumáticos de la infancia para muchos espectadores. La muerte del rey Mufasa a manos de su envidioso hermano Scar es un punto de inflexión devastador en la historia, que sume al joven Simba en la culpa y el exilio. La película aborda temas de pérdida, duelo, responsabilidad y el ciclo de la vida. La banda sonora de Hans Zimmer y las canciones de Elton John y Tim Rice son fundamentales para crear la atmósfera emocional, y la escena de la estampida sigue siendo impactante. Es una película que, a pesar de sus momentos cómicos y alegres, tiene un núcleo de tristeza y superación del trauma.

Pixar nos regaló otra joya emocional con Coco, una película que se adentra en la rica cultura mexicana y su celebración del Día de Muertos. La historia sigue a Miguel, un joven aspirante a músico que accidentalmente termina en la Tierra de los Muertos y busca a su tatarabuelo, una legendaria estrella de la música. Aunque es una aventura llena de color y música, el corazón de la película reside en su exploración de la familia, el legado y, sobre todo, el miedo a ser olvidado. La película maneja el tema de la muerte y el recuerdo con una sensibilidad asombrosa, culminando en escenas particularmente conmovedoras que han hecho llorar a audiencias de todo el mundo. Ganó dos premios Oscar, incluyendo Mejor Película de Animación, y es un tributo hermoso y a veces triste a la importancia de recordar a nuestros seres queridos.

Aunque es una película de Pixar llena de aventura y humor, Up contiene una de las secuencias de apertura más famosas y emotivas de la historia del cine de animación. Sin decir una palabra, la película narra la vida de Carl Fredricksen y su esposa Ellie, desde que se conocen siendo niños hasta su vejez, mostrando sus sueños compartidos, sus alegrías y, devastadoramente, su incapacidad para tener hijos y la eventual pérdida de Ellie. Esta secuencia, que dura solo unos minutos, es un golpe emocional directo que establece el tono melancólico para el viaje de Carl, quien intenta cumplir el sueño de toda una vida en honor a su esposa. La película ganó dos premios de la Academia, incluyendo Mejor Película de Animación, y esa apertura es un ejemplo magistral de narración visual que evoca una profunda tristeza.

De la guionista Mari Okada en su debut como directora, Maquia, una historia de amor inmortal es un drama de fantasía que explora la soledad de la inmortalidad y el dolor de la pérdida. Maquia pertenece a un clan de seres que dejan de envejecer en la adolescencia y tejen telas que registran la historia. Cuando su hogar es destruido, encuentra a un bebé huérfano y decide criarlo, experimentando así el paso del tiempo a través de los ojos de su hijo adoptivo, que envejece mientras ella permanece igual. La película es visualmente hermosa y emocionalmente intensa, tratando temas como la maternidad, el amor, el envejecimiento y el adiós. Es una meditación conmovedora sobre lo que significa vivir y amar cuando sabes que todos los que amas te dejarán eventualmente.

Producida por Angelina Jolie y dirigida por Nora Twomey (co-directora de El secreto de Kells), El pan de la guerra es una película poderosa y necesaria. Ambientada en Afganistán bajo el régimen talibán, narra la historia de Parvana, una niña que debe disfrazarse de niño para poder trabajar y mantener a su familia después de que su padre es arrestado. La película no rehúye mostrar las duras condiciones de vida y la opresión, pero también destaca la resiliencia, el coraje y la fuerza de los lazos familiares. El contraste entre la dura realidad que vive Parvana y los cuentos fantásticos que inventa para su hermano pequeño es uno de los puntos más conmovedores de la película. Fue nominada al Oscar a la Mejor Película de Animación y es una ventana animada a una realidad compleja y a menudo dolorosa.

Olvídate de conejitos adorables. Orejas largas (Watership Down) es una épica de supervivencia que sigue a un grupo de conejos que huyen de la destrucción de su madriguera en busca de un nuevo hogar. Pero el viaje está lleno de peligros: depredadores, trampas humanas y la tiranía de otras colonias. La película, también dirigida por Martin Rosen y basada en la aclamada novela de Richard Adams, no edulcora la violencia ni la muerte. Es una historia sorprendentemente madura que explora temas complejos como la política, la religión, la libertad y el instinto de supervivencia. La animación tiene un estilo distintivo y la película ganó un Grammy por su banda sonora. Es una obra que te hace ver a los conejos desde una perspectiva completamente diferente, mucho más seria y, sí, a menudo triste.

Directamente desde el lado más oscuro de la animación británica de los 80, Los perros de la plaga es una película que no olvidarás fácilmente. Basada en la novela de Richard Adams (autor de Orejas largas), cuenta la historia de dos perros, Rowf y Snitter, que escapan de un centro de investigación animal y luchan por sobrevivir en la naturaleza mientras son perseguidos, acusados de portar la peste bubónica. La película es conocida por su tono sombrío, su realismo brutal y su crítica social implícita sobre la experimentación animal y la paranoia. A pesar de ser animación, no es para niños, con escenas intensas y una atmósfera opresiva. Fue dirigida por Martin Rosen, quien también adaptó Orejas largas, y comparte con ella una visión cruda y seria del mundo animal.

¿Te imaginas la vida de una adorable pareja de ancianos británicos enfrentándose a un holocausto nuclear? Cuando el viento sopla te lo muestra con una franqueza desoladora. Esta adaptación animada de la novela gráfica de Raymond Briggs (el mismo de El muñeco de nieve) sigue a Jim y Hilda Bloggs mientras intentan seguir las instrucciones del gobierno para sobrevivir a un ataque atómico. La animación, que combina dibujos tradicionales para los personajes con escenarios tridimensionales para el entorno, crea un contraste inquietante entre la inocencia de los protagonistas y la magnitud de la catástrofe. La banda sonora original fue compuesta por Roger Waters de Pink Floyd, y la canción principal interpretada por David Bowie, lo que añade otra capa de melancolía a esta historia increíblemente triste sobre la resiliencia, la ingenuidad y la inevitable desesperanza.

Si buscas una película que te conmueva hasta lo más profundo, La tumba de las luciérnagas es una obra maestra ineludible. Dirigida por Isao Takahata para Studio Ghibli, esta película no se anda con rodeos al mostrar la cruda realidad de dos hermanos huérfanos intentando sobrevivir en el Japón de la Segunda Guerra Mundial. Basada en la novela semiautobiográfica de Akiyuki Nosaka, la película fue estrenada curiosamente en doble cartelera con Mi vecino Totoro. Mientras una es pura fantasía y alegría, la otra es un retrato desolador de la pérdida y la desesperación. Takahata eligió un estilo visual realista, casi documental, para acentuar la gravedad de la historia, evitando la idealización. Es un recordatorio poderoso y desgarrador del costo humano de la guerra.